spatenstiche, tastend

Künstliche Innenbeleuchtung teilt sich die Filmminuten mit saftigem, aus sich selbst leuchtendem Chlorophyll – kombiniert mit klarer, tageslichtiger bis leerer, nachtgeschwärzter Luft.
Als die junge, medizinische Doktorin in zwei unabhängig von einander gezeigten Einstellungsgesprächen Arztanwärter fragt, mit welcher Form – Kreis, Dreieck oder Quadrat – sie sich am besten identifizieren könnten, antwortet der eine wie der andere mit ‚Kreis’. Auch in der anschließenden Antwort auf die Frage nach der Farbe jenes Kreises stimmen beide überein: ‚keine Farbe’ würde er haben, ‚leer’ würde er sein – ebenso ‚wie Glas’.

Syndromes and a Century, dieser Film von Apichatpong Weerasethakul, der vom thailändischen Original saeng satawăːt ausgehend, eigentlich mit Light of the Century übersetzt hätte werden müssen, zeigt ein weiteres Unterfangen via Film Erinnerungs-Topoi einzufangen. Diese möchte ich bei meiner Betrachtung herauspicken, liegt darin derzeit mein Hauptaugenmerk, aber auch umgekehrt, vom Medienstanpunkt her, hege ich eine Ahnung, für die zunehmende Eignung des Mediums Film sich dem ‚Themenkomplex Erinnerung und Gedächtnis‘ in dessen spezifischen Darstellungsmöglichkeiten anzunähern.
Nicht schon Geschichte erzählen, Lücken von visuellen Eindrücken mit Narrativen zuquasten, das können nicht viele Regisseure, denn, so scheint es, ist doch die ‚gute story’, gespeist von dramatischen Amplituden meist das, was einen Film so gut ‚runtergehen’ lässt.
Eine Spur auf weichem Grund zu fixieren, aber nicht erstarren – jeden Raum für anders mögliches Sinnverstehen zu nehmen – zu lassen, kann Film ohnehin besser als ein isoliertes Bild, etwa der Fotografie, dennoch wäre die Frage auch an das Konzept von Installation zu stellen, der filmografischen Struktur darin.

In Syndromes ist es das Leben der Menschen was die Zeit-Raum-Achse aufzuheben scheint, als Immergleiches abläuft – im Gegensatz zum Licht. Christian Hawkeys Vers, sinngemäß; ‚light never gets bored with the world/ confession: I do/ with light, never the world’, müsste genau ins Gegenteil verkehrt werden, konzipiert Apichatpong es im Film nämlich als Wandel ermöglichendes Element. Die Farben, das Licht was sich bricht, werden im Beiheft zum Film mit frisch aufgeschnittenen Früchten verglichen, was den Lichtcharakter als Legierung von Inspiration und Wesensgleichem treffend beschreibt. Spinnt man dieses, auf die Erinnerung übertragen fort, kann man Licht die Rolle der Muse zuweisen – und die daran gehefteten, filmisch dargestellten Erinnerungen erscheinen als eine Version von Mnemosyne. Apichatpong selbst beschreibt dann auch seine Arbeitsweise mit den Darsteller/innen (dabei legt er Wert darauf, Laien zu verwenden), als eine, deren ästhetisches Ergebnis nicht darin liegt, eine vorgegebene Rolle wiederzugeben, sondern, das diese sich selbst als eine Version wiederzugeben.

Das antinarrative, filmische Prinzip findet meine vollste Bewunderung – in geschichtsphilosophischer wie ästhetischer Sicht: Apichatpong Weerasethakul kritisiert das Überhandnehmen von Intuition (als mediale Logik in einer Zeit der permaneneten Übertragung) und schafft einen Zeit-Raum, der vielmehr Reflexion ermöglicht.

Zum Trailer hierentlang.

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Besonders sehenswert unter den Filmen die sich mit irgend geartetem, lax formulierten ‚metaphysischer Terror‘, ferner Glaubenskrisen beschäftigen und auch im dramaturgisch-ästhetischen Sinne sehenswert sind wären der Stummfilm Die Passion der Jungfrau von Orléans (La passion de Jeanne d‘Arc, 1928) von Carl Theodor Dreyer und Igmar Bergmanns Nattvardsgästerna (Winterlight, 1962). Weitere Verweise willkommen!